Visto y leído

Mal día

2010-11-30T18:57:00.000+01:00

Luciérnagas en el jardín

2010-04-04T13:30:00.001+02:00

Luciérnagas en el jardín, de Dennis Lee

Luciérnagas en el jardín es casi eso que llaman una TVmovie, es decir, una de esas películas sobre dramas familiares que suelen verse en televisión los fines de semana a la hora de la siesta. Y digo casi porque tiene pretensiones de profundidad psicológica y porque está muy bien realizada e interpretada. Pero poco más.

En algún momento de la película se pueden vislumbrar ciertos destellos de originalidad, como la equívoca relación entre la tía y el sobrino, que daba para bastante más. Pero la ilusión se desvanece pronto y al final nos quedamos en lo de siempre: padre autoritario y maltratador, madre abnegada, hijo traumatizado, desgracia familiar, secretos, confrontación y reconciliación final. El cariño lo puede todo, la fuerza de la sangre... ya saben.

En resumen, un sí es no es, un poco por encima del culebrón televisivo pero sin llegar a película de calidad. Recomendable sólo para incondicionales de Julia Roberts. O de Willem Dafoe, que es mi caso.

El concierto

2010-03-21T20:42:00.001+01:00

El concierto, de Radu Mihaileanu

El concierto pretende, al parecer, ser una sátira política y social de la antigua URSS y de la nueva Rusia. Sin embargo, desde las primeras escenas salta a la vista que la mirada es demasiado benévola para resultar satírica. Se queda en comedia amable, con personajes tan entrañables como el judío que aprovecha cualquier oportunidad para hacer negocio, el viejo comunista que todavía confía en revivir los ideales del partido, el mafioso riquísimo que no tiene amistades y se ve obligado a contratar invitados para que la boda de su hija sea todo lo multitudinaria que merece su fortuna o el patrocinador que duda entre financiar una orquesta sinfónica o un equipo de fútbol.

Es difícil tomar en serio a los protagonistas y a su dramática historia, que resulta demasiado solemne en medio de un coro de caricaturas graciosas y de situaciones absurdas. Creo que ese es el fallo de la comedia, el desequilibrio entre los ingredientes de cóctel, que no acaban de combinarse bien entre sí.

Se salva por el encanto de Mélanie Laurent, la inolvidable Shosanna de Malditos Bastardos, y sobre todo por Tchaikovsky. La película sabe aprovechar al máximo la belleza y la fuerza de la música. Mihaileanu nos dirige con paso lento pero seguro hacia la apoteosis final, el concierto, la armonía pefecta, la emoción, la sonrisa que permanece incluso después de salir del cine. En resumen, una dosis de optimismo vital, que no viene mal en estos tiempos.

Los hombres que miraban fijamente a las cabras

2010-03-14T19:33:00.000+01:00

Los hombres que miraban fijamente a las cabras, de Grant Heslov

Los hombres que miraban fijamente a las cabras consigue situarse un poco por encima de la mayoría de las comedias que se estrenan habitualmente, pero no llega ni de lejos a la altura que sus pretensiones parecen anunciar. Leo por todas partes que se trata de una película "al estilo de los hermanos Coen" y que Jeff Bridges recuerda a su gran -el más grande- Levowski. Nada más lejos de la realidad.

Lo peor de la película es la irregularidad en el ritmo y en la línea argumental. Lo mejor, sin duda alguna, los actores. En cuanto al humor, hay momentos verdaderamente divertidos, pero le falta sentido a la sátira y se queda en una sucesión de "gags" más o menos afortunados.

Lo más curioso es la historia en sí, inspirada en un hecho al parecer real. El personaje de Jeff Brigges, Bill Django, quizá el más logrado de los cuatro protagonistas, recrea la figura de Jim Channon, un teniente coronel norteamericano que había servido en Vietnam y que intentó organizar una milicia inspirada en los principios de la New Age: el Batallón de la Primera Tierra. Aquí pueden visitar la web de Channon.

En fin, no recomendaría esta película como primera opción, pero creo que verla tampoco ha sido una pérdida de tiempo: he aprendido algo más sobre cuán absurdamente se puede invertir el dinero de los ciudadanos y me he reído bastante. Que no es poco.

Una educación

2010-03-06T17:12:00.000+01:00

Una educación, de Lone Scherfig

Como estamos en pleno fin de semana de los Óscar, lo primero es señalar que Una educación parte con tres nominaciones: mejor película, mejor guión adaptado y mejor actriz para Carey Mulligan. Son tres buenas razones para verla si usted es de los que les gusta estar al día y hacer quinielas.

Hay más razones: los actores, la ambientación detallada pero sin estridencias, la exquisita fotografía, la sutileza que en todo momento mantiene el guión, la acertadísima ubicación social y temporal del conflicto y, sobre todo, la neutralidad con que se nos presenta. Al decir neutralidad, me refiero a que Scherfig evita con todo cuidado que el espectador se convierta en cómplice de alguno de los personajes. Los hechos y las actitudes pasan ante nuestros ojos sin que nadie nos oriente sobre lo que debemos opinar.

Me ha gustado especialmente la manera tan real con que se muestra el dilema de una muchacha en la Inglaterra de los sesenta, atrapada entre el rol femenino tradicional y la emancipación que comienza, entre la frivolidad deslumbrante del presente y un futuro laborioso e incierto.

He leído a varios críticos quejarse de que Una educación está cargada de moralina. A mí no me lo ha parecido, pero tampoco creo que se lleve el Óscar. La obsesión por la objetividad le quita a la película la convicción y la fuerza necesarias para redondear el resultado y uno se queda con la sensación de que falta algo importante.

Precious

2010-02-08T13:35:00.002+01:00

Precious, de Lee Daniels

Un Globo de Oro y seis nominaciones al Óscar avalan esta historia de horrores. La vida no puede haber tratado peor a Clareece. Su situación de partida es trágica: mujer, pobre, negra, obesa, casi analfabeta, madre de una niña con síndrome de Down y embarazada, maltratada a diario, víctima de abusos de todo tipo, sola, sin nadie a quien acudir, sin esperanza. Por no tener, ni siquiera tiene algún atractivo personal que pueda conquistar el interés de alguien. Su refugio: la imaginación. Cuando las cosas se ponen feas, ahuyenta la realidad con fantasías de belleza y de éxito. Pero la realidad es terca.

El mérito de Precious, en mi opinión, es haber conseguido evitar el dramón lacrimógeno que podría -y quizá debería- ser la historia de Clareece. No es que se eluda en ningún momento la dureza de los hechos ni las miserias de los protagonistas, pero los sueños, la música y el humor marcan con precisión la distancia necesaria. Se mantiene también lejos del tópico de las historias de superación, en las que alguien parte de la nada para llegar a lo más alto. En Precious, la meta es aprender a leer y escribir, algo tan aparentemente sencillo y tan inalcanzable para la protagonista.

El trabajo de Gabourey Sidibe es excelente, pero a mí me ha impresionado más la intepretación de Mo'Nique como madre de Clareece, un papel difícil que resuelve con verdadera maestría. Ambas están nominadas para el Óscar.

En conclusión, creo que Precious, sin llegar a la obra maestra que algunos quieren ver, es una película que merece la pena y que deja huella. Muy recomendable.

Up in the air

2010-01-31T19:04:00.002+01:00

Up in the air, de Jason Reitman

No se dejen engañar. Up in the air no es una comedia romántica, ni siquiera es estrictamente una comedia, aunque utilice recursos de ambos géneros. Up in the air es una obra compleja y densa, con personajes llenos de matices y, sobre todo, muy creíbles. Hay humor, por supuesto, y de varias clases: pasa con naturalidad de la ironía más sutil a la risa franca, de la acidez a la ternura. Y hay mucho más.

Es difícil resumir de qué trata exactamente. Muestra un mundo en crisis que se ceba con las personas desesperadas, engañadas y derrotadas. Nos presenta un trabajo inhumano de entrada y a continuación vemos que puede deshumanizarse todavía un poco más, en una espiral aterradora. Pero los triunfadores sólo lo parecen, porque sus opciones para dar sentido a sus vidas son todas igual de falsas: la superficialidad como un refugio, la compañía como carga o como mal menor, la mentira como escape... La soledad aguarda a todos al final.

Jason Reitman dirige un guión magnífico, con diálogos frescos y equilibrados. La historia se enriquece a medida que avanza la película y, cuando parece que el camino nos conduce plácidamente a un final predecible, da un volantazo, cambia el esquema y nos enfrenta con planteamientos nuevos. Los actores acompañan, con un trabajo excelente de Vera Farmiga y, sobre todo, de Anna Kendrick. George Clooney está más que convincente, en un papel a su medida. Quizá, por poner un pero, sea demasiado atractivo para hacer de tiburón. O no, eso va en gustos.

La cinta blanca

2010-01-24T14:34:00.005+01:00

La cinta blanca, de Michael Haneke

Me he propuesto no desvelar en este comentario detalles del agumento de La cinta blanca, no porque se trate de una de esas tramas que pierden interés cuando se conoce el final, sino porque considero esencial la manera pausada pero implacable con que Michael Haneke nos va introduciendo en el fondo del asunto, hasta el punto de que cuestiones tales como el quién, el cuándo y el cómo se convierten en mera anécdota.

Haneke nos sitúa en un pueblo de Alemania, justo antes de que estalle la Primera Guerra Mundial, con objeto de analizar la sociedad en la que crecen esos niños que serán adultos cuando triunfe Hitler, es decir, los futuros nazis.

La atmósfera de puritanismo opresivo propia de las comunidades protestantes más estrictas se percibe desde las primeras escenas. El gran acierto, en mi opinión, es que no se nos muestra la violencia en sí. De hecho, los actos violentos ocurren siempre fuera de escena. Lo que vemos es el antes y el después, las causas y las consecuencias, los componentes básicos: crueldad, ausencia de compasión, desprecio del otro, opresión... Y, sobre todo, vemos la forma en que se transmiten de una generación a otra.

En el pueblo, sólo los niños muy pequeños dan muestras de ternura, sólo ellos esperan recibir afecto y protección. Los adolescentes han aprendido ya las reglas del abuso: lo sufren del fuerte y lo ejercen sobre el débil. Así funciona y así actuarán el resto de sus vidas.

Les recomendaría vivamente La cinta blanca, pero no hace falta. Ahí están la Palma de Oro de Cannes o el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa , entre otros galardones que pesan bastante más que mi modesta recomendación. Si es usted aficionado al buen cine o le interesan los aspectos oscuros de la naturaleza humana, no se la pierda.

La decisión de Anne

2010-01-18T17:51:00.002+01:00

La decisión de Anne, de Nick Cassavetes

Leyendo el argumento, La decisión de Anne puede parecer uno de esos telefilmes de sobremesa sobre madres coraje o enfermos terminales, que parecen creados solamente para hacer llorar por todo lo alto a los aficionados al género. Y es verdad que, en ese sentido, la película explota todos los tópicos lacrimógenos conocidos. Sin embargo, tiene algo más.

Cuando se oye hablar de padres que deciden tener un hijo seleccionado genéticamente para que done a su hermano enfermo células, sangre o incluso órganos, nadie duda de sus buenas intenciones. Es incluso hermoso pensar en esa criatura que trae al mundo dos vidas en lugar de una. Pero Cassavetes va más allá y plantea la situación de ese segundo hijo nacido para ser donante, cuando adquiere uso de razón. ¿Qué siente un niño que se sabe concebido como repositorio de otro? ¿Y si decide afirmar su individualidad y negarse a continuar cumpliendo una función que no ha elegido?

La decisión de Anne pone de manifiesto este dilema ético, aunque es cierto que decepciona bastante en la manera de resolverlo o, mejor dicho, de no resolverlo. El asunto de fondo de la película es, en realidad, mostrar cómo una enfermedad afecta a toda la familia y a cada miembro ella. Para ello, la narración tiene el acierto de desarrollarse alternando los puntos de vista, sin tomar partido por ninguno de ellos.

Es interesante, sobre todo, el personaje de esa madre que ha renunciado a su trabajo y a su vida entera por cuidar de su hija enferma y conseguir que sobreviva. El problema surge cuando esa lucha, en principio encomiable, se convierte en el único sentido de su existencia, cegándola ante las necesidades del resto de la familia y ante el absurdo encarnizamiento terapéutico que sufre su hija enferma y, por añadidura, también su hija sana.

En resumen, una película interesante en sus planteamientos, aunque con excesivas concesiones a la sensiblería. Llévense pañuelos, los necesitarán.

Avatar

2009-12-26T18:59:00.002+01:00

Avatar, de James Cameron

El guión es una verdadera simpleza, una fábula de buenos salvajes y malvadas multinacionales, un panegírico del regreso a la naturaleza lleno de contradicciones, empezando por un ex-marine que se rebela contra la propia tecnología que le permite rebelarse. La historia de amor es tópica y el mensaje se queda en una moraleja tontorrona digna del mismísimo Walt Disney.

Y dicho esto -había que decirlo-, olvídenlo. Sólo siéntense con sus gafas 3D y prepárense a disfrutar de un espectáculo nunca visto en el cine. Entren en el planeta Pandora como si se tratase de un documental de National Geographic, vuelen entre las montañas flotantes, admiren la flora sorprendente y bellísima que casi se huele, mezclénse con indígenas azules y estilizados, déjense llevar a un viaje asombroso.

Asistirán ustedes a un salto cualitativo en la experiencia del espectador ante la pantalla. La calidad de los gráficos, la expresividad de los personajes digitales y su integración con las imágenes reales, la cuidadísima y detallada creación de un mundo exhuberante, todo ello hace olvidar la pobreza del guión.

Además, emociona. Cameron no da tregua. Nos hipnotiza, nos aleja del análisis racional de los contenidos y nos sumerge, aunque suene paradójico, en una espiritualidad visceral. La lucha y el orgullo de los Na'vi conmueven y convierten en épica una batalla final que de otro modo se quedaría en pura acción sin alma.

No se la pierdan.

2012

2009-11-15T18:08:00.002+01:00

2012, de Roland Emmerich

Después de los alienígenas de Independence Day y el cambio climático de El día de mañana, Roland Emerich vuelve a llevarnos al Apocalipsis, esta vez con una trama pseudoreligiosa basada en una conocida interpretación del calendario maya de la Cuenta Larga, uno de los tres que utilizaba esta civilización. El calendario toma como fecha de inicio el 13 de agosto de 3114 antes de Cristo. No se sabe por qué eligieron ese día como principio, pero podemos suponer que recordaba algún suceso significativo para ellos, al igual que nosotros empezamos a contar desde el nacimiento de Cristo o los musulmanes comienzan desde la Hégira.

En todo caso, lo curioso de este calendario maya es que dura 1.872.000 días. Haciendo cuentas, llegamos al 21 de diciembre de 2012, fecha en la que el que el calendario se acaba y empezaría otro nuevo. Esto ha dado pie a toda clase de interpretaciones peregrinas, basadas en la extraña idea de que, cuando se acaba el calendario, se acaba el mundo.

2012 tiene unos excelentes efectos especiales, que gustarán mucho a los amantes del cine de catástrofes realistas, grandes explosiones y espectaculares derribos. A los demás, a los que buscan una buena historia bien contada, les aburrirá el argumento, que es simplón, místico, a veces lacrimógeno y bastante incoherente.

La película se estrena tres años antes del fin del mundo. Buena idea. Así les dará tiempo a venderla también en DVD.

José Luis López Vázquez

2009-11-08T19:32:00.002+01:00

Esta tarde no he ido al cine. Me he quedado en casa y he visto Mi querida señorita. Una película valiente para 1971, franco regnante todavía. Un magnífico guión, duro pero entrañable. Un retrato de una sociedad rígida y avergonzada de sí misma, igual que el personaje protagonista.

Como no tenía bastante, luego he puesto La gran familia, esa obra maestra de la propaganda. He vuelto a buscar a Chencho entre las figuritas y las zambombas de la Plaza Mayor. El padrino pedía ayuda a través de un televisor en blanco y negro.

Se llamaba José Luis López Vázquez de la Torre, que era más sonoro, pero se quedó en López Vázquez. Dos apellidos de entre los más comunes, un nombre corriente, como lo eran su aspecto y sus maneras. Tan corriente que igual podía ser el novio de la vecina, el oficinista del entresuelo, el primo del pueblo, el viajante o el mecánico. Tan corriente que podía ser cualquiera.

Y eso era López Vázquez, un señor cualquiera. Precisamente por eso podía representar a todos, hasta el punto de trascender a cada uno de ellos y encarnar una época y un país.

Le hemos visto buscando piso, robando bancos, golpeando cabinas y persiguiendo suecas sin descanso. Mi recomendación de esta semana es que se hagan con un DVD de su película favorita y se despidan de él. Cada uno tiene su López Vázquez. Yo ya me he despedido del mío.

Adiós, Padrino Búfalo. Y gracias.

This is it

2009-11-01T12:24:00.002+01:00

This is it, de Kenny Ortega

Se ha acusado al documental This is it de oportunista. También de haberse realizado con una precipitación que responde más a intereses comerciales que al deseo de ofrecer un homenaje póstumo al cantante. No voy a entrar en eso, pero probablemente haya un poco de todo. Lo que sí me parece claro después de ver la película es que los fans quedarán más que satisfechos.

This is it resulta irregular, a veces entretenido y vistoso, otras repetitivo e inflado. Lo más interesante, para quien no es fan de Michael Jackson, es conocer los entresijos de la preparación de un concierto de esta categoría y observar la fascinación que el “rey del pop” produce en todos los que lo rodean.

Creo que el mayor valor de esta película es que cierra el círculo en la construcción del mito, porque para convertirse en mito no es suficiente con ser genial, ni con tener una vida controvertida, ni con morirse joven. Para ser un mito hay que truncar una carrera, desaparecer en plenas facultades dejando en el aire la duda sobre lo que se hubiese podido llegar a hacer. Y si algo demuestra This is it es que a Jackson le quedaba cuerda para rato.

500 días juntos

2009-10-26T16:48:00.001+01:00

500 días juntos, de Marc Webb

La primera película del director de vídeos musicales Marc Webb es la sorpresa del cine independiente esta temporada. Sorpresa por su extraordinaria recaudación en taquilla y sorpresa también por el éxito obtenido entre los críticos.

Lo que cuenta no puede ser más sencillo. Ni siquiera recurre a las típicas situaciones de malentendidos y enredos de las comedias románticas, que sirven para llenar dos horas con algo que podría haberse contado en dos minutos. Al contrario, la historia de Tom y Summer es anodina de puro corriente, una historia que le habrá pasado o le pasará a cualquiera en algún momento de su vida.

Entonces, ¿por qué un simple “chico conoce a chica” ha concitado tantas simpatías y comentarios favorables? En mi opinión, la novedad de 500 días juntos es bajar el amor del pedestal y tratarlo como un aspecto más de la vida, algo que puede ser compartido o no serlo, que puede salir bien o mal sin necesidad de culpables o inocentes.

El tratamiento cinematográfico contribuye en todo momento a distanciarnos. Por si la ironía no fuese bastante, en cuanto empezamos a identificarnos con los personajes, Webb nos recuerda que estamos viendo una película, a base de escenas de videoclip, pantallas divididas en dos partes para diferenciar la realidad de las expectativas y revisiones de lo recordado, entre otros muchos recursos. La propia estructura de la narración va adelante y atrás como si se pulsasen las teclas de Review y Fast-forward.

En definitiva, una cinta muy original y divertida, con un fondo de pesimismo que pone en duda la comunicación y la percepción de los mensajes ajenos. Vale la pena.

La biblia de neón

2009-10-07T17:25:00.005+02:00

La biblia de neón, de John Kennedy Toole

Tengo la costumbre de leer el prólogo de los libros al final, después de conocer el contenido. Se trata de uno de esos hábitos que probablemente tuvieron origen en alguna razón concreta, pero el hábito es siempre más terco que la razón, así que ésta se olvida y aquél permanece. Es posible que lo haga porque prefiero enfrentarme con el libro sin prejuicios y comparar luego mis conclusiones con las del prologuista.

Así leí La conjura de los necios, sin prejuicios, con asombro, sin saber si estaba ante una simpleza humorística, una ironía elaborada, una sátira profunda o quizá todas esas cosas juntas. Sin ánimo de hacer comparaciones, imagino que los primeros lectores del Quijote debieron sentir una perplejidad parecida.

Llegué al final convencida de que tenía entre manos una obra maestra y pasé al prólogo, todavía abrumada por la experiencia. Supe entonces de John Kennedy Toole, de su suicidio a los treinta y un años, de las peripecias de su novela. Supe de una madre, Thelma Toole, cuya fe inquebrantable en la genialidad de su hijo hizo posible que el libro se publicase más de diez años después de su muerte. Supe de Walker Percy, que cedió a la insistencia de esa pertinaz mujer y acabó –cosas de la vida- escribiendo el prólogo que yo estaba leyendo. Supe también que era inútil buscar más obras de Toole.

Años después, he encontrado esta Biblia de neón, una novelita que escribió cuando sólo tenía dieciséis años y que su madre –cómo no- había guardado junto con las demás pertenencias de John. Me alegré, pero no demasiado. Al fin y al cabo, era la obra de un adolescente, que se publicaba aprovechando el éxito de la novela del adulto. Esta vez leí con prejuicios.

La biblia de neón consiguió sorprenderme. Es verdad que se trata de la novela de un adolescente, pero un adolescente con ese tipo de sensibilidad y de talento que brillan precisamente por su frescura, por su falta de amaneramiento. El estilo sencillo e intimista nos introduce poco a poco en un universo singular, lleno de personajes peculiares e incluso grotescos en algunos momentos, pero reales y entrañables. Impresiona el acierto en el ritmo creciente de la narración, que va de lo cotidiano a lo fatal con firmeza, sin saltos ni altibajos.

Acabé el libro y, como siempre, me fui al prólogo. Buscaba en él noticias sobre algún otro manuscrito inédito. Como me temía, Thelma Toole no conservaba nada más. Es una lástima.

Los sustitutos

2009-10-04T14:06:00.003+02:00

Los sustitutos, de Jonathan Mostow

Los sustitutos es una adaptación libre del cómic The Surrogates, de Robert Venditti y Brett Weldele, basado en la idea de una humanidad que vive a través de réplicas mecánicas de sus cuerpos. La persona sigue siendo la misma, pero su presencia física ya no es necesaria. Los humanos se quedan en sus casas, engordando y quedándose calvos, mientras sus sustitutos, siempre jóvenes, atléticos y elegantes, salen a la calle a trabajar y a relacionarse.

Esta idea apela a algunos de los miedos de la sociedad occidental de hoy en día. Por un lado, el exagerado culto al cuerpo que convierte en prioritario el hecho de ofrecer siempre la mejor imagen posible y que impulsa a las personas a invertir grandes cantidades de tiempo y dinero en mejoras estéticas. Por otro lado, la posibilidad de “vida virtual” que cada vez parece más cercana.

Cuando hace unos años surgió el fenómeno “Second Life”, muchos se llevaron las manos a la cabeza imaginando personas sentadas todo el día delante de su ordenador, sin salir ni comunicarse con otros seres “reales”, navegando por un mundo artificial con una identidad creada a su gusto. El tiempo ha demostrado que “Second Life” no ha provocado el Apocalipsis, ni mucho menos, pero la inquietud sigue ahí. Resulta difícil enfrentarse una vez más a la antigua dualidad alma-cuerpo, esta vez en versión mente-máquina, sin que aparezcan conflictos de identidad. Al final, la pregunta es siempre la misma: ¿qué nos hace humanos?

Mostow viste esta idea central con una intriga, una ambientación y un ritmo muy apropiados para un thriller entretenido con el que pasar el rato, sin emoción ni reflexión. El resultado es una película bien realizada, que distrae y divierte, pero que sabe a poco a la vista de las pretensiones iniciales. Llena el tiempo sin dejar huella.

Malditos bastardos

2009-09-25T17:41:00.002+02:00

Malditos bastardos, de Quentin Tarantino

Si Malditos bastardos fuese la primera película de un joven director, creo que todos nos habríamos alegrado al descubrir una nueva promesa. Pensaríamos que está un poco verde y desearíamos que pronto alguna productora le diese la oportunidad de desarrollar su talento y realizar obras más maduras.

Pero es que no estamos ante un principiante con posibilidades. Todo lo contrario. Se trata de Tarantino, el que entusiasmó a una generación, el que firmó una obra maestra en 1992 y otra en 1994, el que no tiene más que insinuar que tiene ganas de hacer una película e inmediatamente le llueven millones para financiarla. Los que nos ilusionamos con él hace quince años esperábamos algo más. Y me temo que tendremos que seguir esperando.

No es que Malditos bastardos sea una mala película, es que no es estrictamente una película. Parece más bien una sucesión de escenas, algunas geniales, otras innecesarias, muchas excesivas, todas incoherentes entre sí. Es cierto que los primeros cinco minutos son antológicos y que el final es un alarde de lenguaje cinematográfico, pero la cinta en conjunto no tiene ni ritmo, ni tono, ni conexión narrativa. Da la sensación de que Tarantino y su equipo se dedicaron sencillamente a divertirse rodando fragmentos, sin preocuparse del resultado general.

Aun así, vale la pena verla. Primero, porque a cualquier aficionado al cine le interesará conocer lo que hace Tarantino. Segundo, porque la película tiene rasgos de genialidad que no se ven todos los días. Y tercero, para disfrutar la espléndida interpretación de Christoph Waltz en el papel de Hans Landa, el “cazajudíos” políglota. El personaje es tan personal, tan fascinante y tan carismático que eclipsa al resto del reparto, incluido Brad Pitt. Muy merecido, en mi opinión, el premio al mejor actor que acaba de recibir en Cannes. Es pronto para hacer la quiniela de los Óscar, pero me atrevo a apostar que estará entre los nominados.

Distrito 9

2009-09-18T19:00:00.003+02:00

Distrito 9, de Neill Blomkamp

Distrito 9 parece haberse concebido con la intención de convertirse en la nueva película de culto para los aficionados a la ciencia ficción. Una estética diferente, unos efectos especiales magníficos y un dilema ético, imprescindible para darle carta de trascendencia a lo que, de otra manera, sería un mero juego de la imaginación. Si a todo ello se le une un marketing viral centrado en Internet, el resultado hará las delicias de cualquiera, por poco friki que sea. Prueba de ello es el gran éxito de taquilla que obtuvo en Estados Unidos y que se está repitiendo en España.

El planteamiento es sin duda original. Los extraterrestres no vienen a conquistarnos ni a destruirnos; tampoco a estudiarnos o a iluminarnos con su superior sabiduría. No son hostiles ni amistosos. La situación es mucho más prosaica: llegan por accidente, no pueden volver a su planeta de origen, se quedan como refugiados y se convierten en un problema social, económico y de orden público. Nadie quiere hacerse cargo de ellos ni tenerlos cerca de su casa. Son desagradables, sucios y maleducados. Construyen chabolas, viven aislados en un gueto, la delincuencia prolifera. La gente empieza a quejarse de las molestias y el gasto que supone mantenerlos. ¿Les suena?

Por si el mensaje no quedaba claro, la película está llena de claras referencias al apartheid y se desarrolla en Sudáfrica, cosa que resulta también una novedad, acostumbrados como estamos a la predilección de los marcianos por aterrizar en Washington, Nueva York o San Francisco.

El formato es a mi juicio un acierto y contribuye a hacer de Distrito 9 una película diferente. Los hechos se nos muestran en forma de reportaje, con declaraciones de expertos, testigos y familiares de los implicados. Más tarde, cuando se producen incidentes, vemos imágenes que imitan el directo de informativos y telediarios. El realismo está garantizado.

Me ha gustado especialmente el personaje de Wikus van der Merwe, perfecto antihéroe de personalidad servil y odiosa que se ve arrastrado sin remedio a tomar las riendas de su vida, una especie de Gregorio Samsa que se descubre alienígena en lugar de insecto y que provoca la misma repugnancia en sus allegados.

Sin embargo, todo ese inicio tan prometedor acaba resolviéndose en una ensalada de sangre, tiros y persecuciones que se hacen eternas. No es que la acción se cargue la película, pero acaba decepcionando al espectador después de tantas expectativas. Además, se queda en el planteamiento de un problema, sin aportar soluciones ni éticas ni prácticas. Supongo que esto último obedece a razones comerciales, ya que deja abierto el camino para segundas y terceras partes, pero lamento que ese posible futuro empañe lo que podría haber sido una gran película.

La recomiendo a pesar de todo. Creo que tiene más aciertos que fallos y, desde luego, dará que hablar. Eso sí, no se lleven a los niños. No es E.T. precisamente.

Amazing grace

2009-09-12T17:46:00.004+02:00

Amazing grace, de Michael Apted

Una estupenda película para comenzar el curso con buen pie e ir acostumbrando el paladar a esos platos más pesados que siempre nos ofrece el otoño. Se ha estrenado este viernes con escasa promoción, lo que no es de extrañar si tenemos en cuenta que llega a España con dos años de retraso.

Amazing grace es la biografía de un héroe planteada y realizada a la manera clásica, con todos los tópicos del género. Retrata la entrega y la lucha, la derrota y el triunfo, pero también las debilidades y las dudas. En este aspecto no puede decirse que sea muy original. Sin embargo, lo compensa con una factura casi perfecta, un guión memorable y unos actores espléndidos. Yo destacaría sobre todo a Rufus Sewell, que compite en carisma con el propio protagonista, y al entrañable Michael Gambon, en quien los aficionados a Harry Potter reconocerán a Albus Dumbledore.

Especialmente brillantes son las escenas del parlamento, con unos diálogos de una profundidad y agudeza que hacen inevitable la comparación con los pobres recursos de nuestros actuales diputados. Pensarán ustedes que esa comparación no es justa. Al fin y al cabo, se trata de una película. Yo pensé lo mismo. Por eso busqué en Internet alguna referencia a la realidad de la época y, entre otras cosas muy interesantes, encontré una joya de la oratoria: el discurso pronunciado por Emilio Castelar en 1870, pidiendo precisamente la abolición de la esclavitud en los territorios españoles. Pueden leerlo completo aquí.

Invita también Amazing grace a reflexionar sobre la vigencia de los valores de cada sociedad. Da vértigo pensar que hace solamente siglo y medio se estaba discutiendo en el parlamento si la compraventa de personas debía ser legal o no. No puedes evitar imaginarte la cara que pondrían esos señores con peluca si levantasen la cabeza y viesen un mestizo en la Casa Blanca. Y no puedes evitar sonreír. A lo mejor, con el tiempo, conseguimos abolir más cosas.

Cine de verano

2009-07-30T19:24:00.003+02:00

Con el permiso de ustedes, Melduana se va de inmerecidas vacaciones en agosto, lejos de las salas de cine y de las conexiones a Internet. Les dejo algunas recomendaciones.

La primera es que dediquen alguna noche a asistir a una proyección al aire libre, bien provistos de bocadillos y bebidas frías. Será una velada quizá nostálgica, quizá romántica, quizá familiar, pero seguro que diferente.

Si a pesar de todo prefiere usted su buen sonido, su butaca cómoda y su aire acondicionado, la cartelera de agosto no es de las mejores de año, pero podrá encontrar cosas interesantes.

Los que vayan en familia tienen ya en las pantallas Ice Age 3, que está teniendo mucho éxito. También Up (31 de julio), GI Joe (7 de agosto) y, por supuesto, Harry Potter y el misterio del príncipe, que no he visto, pero he oído decir que es menos infantil que las anteriores, orientada ya hacia un público adolescente. Harry ha crecido y sus seguidores también.

Si le gustan las de acción, puede que le interese un remake de la ya clásica Pelham 123, ésta con Denzel Washington, John Travolta y James Gandolfini (el famoso Tony Soprano). O un drama policiaco, Enemigos públicos (14 de agosto), de Michael Mann, protagonizada por Johnny Depp, que narra la historia de la famosa banda de Dillinger.

En cuanto a las comedias, se lleva lo histórico, con la italofrancesa Napoleón y yo o la alemana Mein Führer (7 de agosto).

Y para los cinéfilos y gafapastas de pro, el 21 de agosto se estrena Anticristo, de Lars Von Trier. En Cannes dijeron de ella que era “ultra violenta, angustiosa, sexual, pretenciosa, híperestética y misógina”. O sea, que hay que verla, aunque sólo sea para criticar.

Feliz verano a todos y hasta septiembre, que llegará con la esperada Ágora de Amenábar. A ver si no nos decepciona.

Un novio para mi mujer

2009-07-19T12:25:00.005+02:00

Un novio para mi mujer, de Juan Taratuto

Un novio para mi mujer no es una obra maestra ni una de esas películas que dejan huella. Se trata de cine comercial, pero cine comercial planteado con honestidad y realizado con inteligencia y frescura. Si el éxito consiste en conseguir lo que se pretendía, Taratuto sin duda ha tenido éxito y ha cuajado una cinta divertida y entretenida.

Funciona porque funcionan las tres claves fundamentales: el guión, los personajes y los actores. Naturalmente que existen muchos más aspectos que componen la calidad de una película, pero sin estas tres bases el conjunto se cae inevitablemente.

El guión es inteligente, con tiempo medido y ritmo ágil. La fluidez de los diálogos y los vertiginosos intercambios verbales, tan característicos del cine argentino, tienen aquí pertinencia y gracia. Los personajes están bien definidos y son coherentes, a pesar de lo disparatado del argumento. Los actores cumplen a la perfección.

Quizá lo más destacable sea el personaje de la Tana, rico y versátil, brillantemente interpretado por Valeria Bertuccelli, que consigue algo tan difícil como evolucionar a lo largo de la cinta, de manera que resulta odiosa al principio y acaba ganándose la simpatía del espectador, sin dejar en ningún momento de ser congruente consigo misma.

Como dice Mirito Torreiro en fotogramas.es,

…desde la desencantada posición de un amante hispánico de la comedia, da envidia ver lo bien que maneja las fórmulas comerciales del género el cine argentino, comparado con la inanidad del nuestro.

Si quieren pasar un par de horas agradables y sin complicaciones, se la recomiendo.

La proposición

2009-07-12T19:23:00.005+02:00

La proposición, de Anne Fletcher

En otra ocasión, a propósito de Nunca es tarde para enamorarse, les hablé de lo poco aficionada que soy a la comedia romántica como género. Sin embargo, en verano la cartelera no da muchas oportunidades, salvo quizá para el público infantil o familiar. Elegí La proposición porque venía avalada por buenas críticas y por cumplir el tópico de que el calor invita a ver algo ligero que no dé mucho que pensar.

La película no engaña, cumple lo que promete, sin más. Anne Fletcher prepara la conocida receta del género: un poco de humor, algo de intriga y bastante azúcar. El argumento tampoco es precisamente original. Tenemos una pareja que empieza odiándose y termina enamorándose, una mentira o un secreto que provoca muchos malentendidos y finalmente se desvela, una mujer dura y fría a quien la familia, el amor y los buenos sentimientos acaban por ablandar… ¿Les suena?

Aceptado ese esquema tan previsible, hay que reconocer que Fletcher lo recrea con eficacia y estilo. La proposición tiene muchos momentos divertidos y un ritmo más que aceptable. Funciona entre los protagonistas eso que llaman química y que parece ser fundamental en este tipo de cine. Y para los que recordamos con cariño a Las chicas de oro, es una oportunidad de ver a Betty White en un papel destacado.

Una advertencia: la película está hecha para lucimiento de Sandra Bullock. Creo que no exagero al decir que no hay escena en la que ella no sea el personaje central. Si usted es de los que no pueden soportarla, absténgase.

LOL

2009-07-07T18:51:00.004+02:00

LOL, de Lisa Azuelos

LOL ha arrasado las taquillas de Francia, con más de cuatro millones de espectadores. Si se tratase de esa película de adolescentes que la industria norteamericana nos regala todos los años, ya saben, chicos obsesionados por la popularidad, la rubia reina del baile, la fea y/o gorda, el intelectual con o sin gafotas, el musculitos y las gamberradas en los vestuarios, ni me habría molestado en sorprenderme. Pero… ¿una película francesa? Me pareció que había que darle una oportunidad.

LOL es un acrónimo que pertenece a la jerga de Internet. No está claro si viene de "Laughing Out Loud", "Lot Of Laughs" o "Laugh Out Loud", pero, en cualquier caso, se utiliza cuando a alguien le hace mucha gracia una frase o una situación. Equivale a reírse a carcajadas. La protagonista de la película, Lola, es conocida entre sus compañeros como Lol. Creo que ese título, más allá del juego de palabras, lleva implícito un mensaje: no vamos a tomarnos las cosas demasiado en serio.

La película, en efecto, no se toma las cosas en serio. No hay tragedia, no hay fealdad, no aparece la cara sombría de las drogas, del alcohol, de la desilusión. Todo se enfoca con distancia, ironía y cierto escepticismo amable. Parece querer decir: “en el fondo, ¿qué más da?”

Retrata un mundo de adolescentes, con los problemas que sufren los adolescentes de cualquier generación. Hoy se canalizan a través de mensajes de móviles, chats y cámaras web, pero no por eso dejan de ser los mismos de siempre. La diferencia, lo que hace distinta a LOL, es que muestra en paralelo el mundo de los padres y nos señala, sin demasiada sutileza pero también sin dramas, que se parece demasiado al de sus hijos. Es una generación que ha cumplido los cuarenta y que ha vivido con ideales postizos, sin haberlos analizado ni madurado. Y ahora, cuando llega el momento de aplicarlos y transmitirlos, se sienten inseguros, inexpertos y perdidos. LOL refleja dos generaciones igual de superficiales. Ni buenas ni malas, ni culpables ni inocentes, solamente superficiales.

Por lo interesante de este enfoque merece la pena ver LOL. Tiene además momentos francamente divertidos, como la excursión de los jóvenes a Londres y la caricatura, cruel y tierna al mismo tiempo, de la sociedad inglesa vista por un francés.

Lo peor, el final. Si fuese un poco más abierto y algo menos complaciente, la película, sin ser una gran obra, habría levantado algo el vuelo. Pero todo se conjuga para terminar de una manera edulcorada y decepcionante. Se cae sin remedio.

Coco

2009-06-28T16:41:00.004+02:00

Coco, de la rebeldía a la leyenda de Chanel, de Anne Fontaine

Los primeros años de una de las mujeres más interesantes y controvertidas del siglo XX, con esa amalgama de factores que construyen el mito: éxito, dudosa moralidad, independencia y misterio. ¿Cómo pudo una chica de extracción humilde convertirse en icono del glamour, en una época en que la sociedad era todavía tan cerrada? El planteamiento es, sin duda, muy atractivo.

Sin embargo, la respuesta a esta pregunta no se encuentra en Coco avant Chanel. Anne Fontaine se basa en la biografía escrita por Edmonde Charles-Roux, L’Irrégulière, para crear una película que sólo ofrece los amores de una jovencita algo excéntrica y muy ávida de prosperar. Los actores están bien, la ambientación es cuidada y la puesta en escena es impecable. Pero el argumento, que no empieza mal, se va volviendo tedioso a medida que avanzan los minutos, hasta el punto de que eso, los minutos, es lo único que parece avanzar. No es que la acción sea lenta, es que no pasa nada.

Va transcurriendo el tiempo y el espectador pierde la esperanza de ver algún detalle en el que reconocer a Coco Chanel, la mujer fascinante y libre, la leyenda. La transformación de la indumentaria femenina, quizá uno de los aspectos más interesantes del personaje, aparece como de refilón, reducida a pura anécdota. La Coco de Fontaine es diferente de las demás mujeres de su entorno, pero la única diferencia consiste en no ponerse corsé y vestirse con los trajes de su amante. La Coco de Fontaine hace sombreros, pero prácticamente no los vemos. Al final, lo que queda es una historia de amor bastante pobre y sin fuerza alguna.

En resumen, sólo recomendaría esta cinta a los muy aficionados al personaje. Los demás se aburrirán bastante, me temo.

Tres monos

2009-06-20T16:52:00.003+02:00

Tres monos, de Nuri Bilge Ceylan

¿Quién no ha visto alguna vez, en casas, negocios o incluso coches, esas figuritas de tres monos que se cubren con las manos, uno los ojos, otro los oídos y otro la boca? Muchas llevan una placa que describe su significado: “Ni ver, ni oír, ni hablar”. Son los tres monos sabios o místicos, que proceden de antiguas leyendas chinas y llegaron a Occidente a través de Japón.

Los protagonistas de Tres monos hacen como si no viesen ni oyesen y jamás hablan de lo que sucede. De eso trata la película, de incomunicación, de una familia de tres miembros que conviven sin dirigirse la palabra, que se quieren con un amor desnaturalizado por la falta de confianza. Cuando la culpa aparece, no hay cauces para expiarla o compartirla. Unos sufren castigo por los pecados de otros. Cada vez que alguno intenta ayudar, lo único que consigue es complicar más el drama.

Tres monos es una estupenda película turca, magníficamente interpretada por Yavuz Bingöl, Hatice Aslan y, sobre todo, el joven Ahmet Rifat Sungar, cuyas miradas sostenidas y profundas dicen muchísimo más que los gestos y los diálogos. Obtuvo el premio a la mejor dirección en Cannes, a mi juicio muy merecidamente, sobre todo por dos razones. La primera es la fuerza de la narración, que no reside en los diálogos ni en los sucesos, sino precisamente en las miradas y en los silencios. La banda sonora es el viento, la lluvia y la tormenta. La única música que se oye es la canción del teléfono móvil de Hatice Aslan, que cada vez que suena crea tensión o anuncia problemas. La atmósfera es opresiva, sofocante, angustiosa.

La segunda razón es puramente estética: la exquisita fotografía y la sucesión de hermosísimos planos producen un verdadero placer visual. Desde la carretera nocturna con que comienza la película hasta la tormenta final, cada fotograma es un cuadro, dan ganas de parar la imagen y quedarse contemplándolo.

Y de ahí viene para mí el gran defecto de Tres monos. Da la sensación de que al director le ha pasado lo mismo que al espectador, de que no ha podido evitar recrearse en la belleza de las imágenes y sostiene las escenas unos segundos más de lo necesario. Resultado: la película es lenta. No lenta comparada con el cine norteamericano, eso es de esperar; lenta de verdad, hasta el punto de hacerse pesada en algunos momentos.

Aun así, la recomiendo. Ahora que los calores invitan al sosiego, tómenselo con calma y disfrútenla. Merece la pena.

Los mundos de Coraline

2009-06-13T20:33:00.006+02:00

Los mundos de Coraline, de Henry Selick

No he sido partidaria de las películas de animación desde que pasé de los diez o doce años, pero la vida tiene a veces esas afortunadas coincidencias que nos hacen cambiar de opinión o, al menos, replantearnos nuestros prejuicios. Hace poco tuve la oportunidad de ver la espléndida Vals con Bashir, del israelí Ari Folman, que me impresionó por su capacidad para hacer poesía con imágenes. Esta tarde he disfrutado de la gratísima experiencia visual que es Los mundos de Coraline.

Al parecer, Los mundos de Coraline es un cuento para niños. Y digo al parecer porque yo lo pensaría dos veces antes de llevar a un niño a verla. Por dos razones. La primera es de tipo práctico: si el niño en cuestión es impresionable o propenso a las pesadillas, probablemente no pegue ojo en varias semanas. Selick toca todas las fibras del miedo infantil: puertas que encierran seres amenazadores, plantas y animales que se vuelven hostiles y agresivos, muñecos o juguetes malintencionados, soledad, abandono y oscuridad. La atmósfera es inquietante desde los títulos de crédito iniciales y la tensión sólo se disuelve en la escena final.

La segunda razón es más teórica. Como todo cuento para niños, la historia de Coraline encierra un mensaje, una moraleja, que no acaba de gustarme. Viene a decir que, aunque no estés conforme con tu vida, no debes intentar cambiarla porque, por muy bonita que te parezca la alternativa, al final será mucho peor. Pues bien, no me parece que la resignación y el conformismo sean valores que debamos transmitir a las próximas generaciones. Y menos con la que está cayendo.

Por lo demás, las deslumbrantes imágenes que nos ofrece Selick son motivo más que suficiente para ver la película. El ambiente sombrío, entre lo gótico y lo mágico, intriga y desasosiega. El personaje de Coraline está tratado con una delicadeza y una sobriedad poco corrientes.

Cada vez estoy más convencida de que la animación, como lenguaje, consigue transmitir experiencias que quedan fuera del cine convencional. Les decía al principio que yo la había probado poco y me estoy aficionando. Inténtenlo, no les defraudará.

Los hombres que no amaban a las mujeres

2009-06-06T20:49:00.004+02:00

Los hombres que no amaban a las mujeres (Millennium I), de Niels Arden Oplev

Doy por supuesto que todos conocen la novela de Larsson. Si no es así, se la recomiendo. No es probable que pase a la historia de la literatura, pero tiene la cualidad de combinar con rara precisión elementos de modernidad, de crítica social, de drama y de acción, todo ello sin salirse de los cánones de la clásica intriga policiaca británica. Uno de esos libros, en fin, que se leen de una sentada y que dejan con ganas de más.

La película recrea muy bien el ambiente frío e inquietante de la novela, pero no me veo capaz de discernir si eso es mérito del director o simplemente va incluido con cualquier producto que venga de Suecia. Pensando, por ejemplo, en Zapatos italianos, de Henning Mankell, o en Déjame entrar, de Thomas Alfredson, me pregunto si a nosotros, tan meridionales, no nos parecerá frío e inquietante todo lo sueco.

No era fácil adaptar al cine una trama tan compleja. Creo que lo han hecho de la única manera posible: centrándose en la historia principal y eliminando las ramificaciones, los saltos temporales y los personajes secundarios. El resultado es una película ágil e interesante, que crece en intensidad a medida que pasan los minutos. De hecho, la segunda hora es mucho mejor que la primera.

Quizá lo más delicado, al menos en mi opinión, es el tratamiento del personaje de Lisbeth Salander, tan original, tan complejo y fascinante. La elección de Noomi Rapace me parece un acierto. Es verdad que la Lisbeth del cine no seduce como la de la novela. Sin embargo, se aproxima bastante a esa joven friki, torturada y vengativa, frágil y despiadada, marginal por decisión propia, que se hace dueña de su vida a golpes. No hay tiempo en la película de profundizar en su psicología, sólo se pueden dar pinceladas, pero éstas están bien dosificadas y consiguen reproducir una imagen poderosa, aunque necesariamente menos nítida.

Cuando se ha leído la novela, se echan en falta muchas cosas. Sin embargo, creo que Niels Arden Oplev firma una adaptación digna y que merece la pena ver. Sobre todo, para los fans de Millennium, que a juzgar por las ventas de los libros, son legión.

Ángeles y demonios

2009-05-23T18:59:00.002+02:00

Ángeles y demonios, de Ron Howard

La primera novela que publicó Dan Brown, El código Da Vinci, dio tanto que hablar en su momento que no había conversación en la que no saliese a relucir, bien para alabarla, bien para ponerla de vuelta y media, bien para debatir la verosimilitud del argumento. No me quedó más remedio que leerla. Estaba segura de que no iba a gustarme y así fue, pero al menos podía intervenir en las discusiones sabiendo de qué hablaba.

Ángeles y demonios no ha tenido tanta repercusión, afortunadamente para mí, porque así me he librado de leer la novela. Sin embargo y a pesar de mi resistencia, circunstancias que no hacen al caso me han obligado a ver la película. Pues bien, pasado el trago, tengo que reconocer que resulta mucho más entretenida que la anterior. Claro que el listón no estaba muy alto.

El director, Ron Howard, acusó al Vaticano de interferir con la obtención de permisos para rodar en Roma. No era de extrañar, estando por medio el nombre de Dan Brown. Sin duda, a los productores les hubiese gustado mucho una oposición frontal de la Iglesia, similar a la que se originó con El código Da Vinci. Ese tipo de polémicas engorda la taquilla.

Pero para eso tendrían que haber cuestionado algún dogma, o al menos atacar un poco a la cúpula de Roma. Nada más lejos de la realidad de la cinta. Es tan complaciente con las autoridades eclesiásticas que al final dan ganas de hacerse católico. De hecho, una vez estrenada, L’Osservatore Romano publicó una reseña que califica Ángeles y demonios de “comercial y poco exacta”, pero también de “entretenimiento inofensivo sin ningún peligro para la Iglesia”. Ni un rombo le han puesto.

En cuanto al argumento, cualquiera que se preocupe de informarse un poco, averiguará sin esfuerzo que es imposible hoy en día fabricar una bomba de antimateria y que, desde luego, en el CERN no hay científicos locos que se dediquen a semejante actividad. También averiguará que ni Galileo ni Bernini pudieron formar parte de la sociedad de los Illuminati, pues ambos habían muerto en 1776, cuando Adam Weishaupt la fundó. Pero, claro, ¿qué es una intriga esotérica sin física cuántica de andar por casa, sin sociedades secretas y sin Galileo? Nada. En todo caso, es de agradecer que esta vez se hayan abstenido de introducir a los templarios, tan ubicuos últimamente.

En conclusión, que pueden sentarse con toda tranquilidad a disfrutar de las peripecias de Langdon resolviendo acertijos simbólicos contra reloj. Los acertijos son lo bastante simples para estar relajados y no pensar mucho. Y además, podrán hacerlo sin cometer pecado alguno. No lo digo yo, lo dice L’Osservatore Romano: “entretenimiento inofensivo”. Ustedes mismos.

Star Trek

2009-05-17T19:42:00.005+02:00

Star Trek, de J.J. Abrams

Leo en soitu.es que el primer fin de semana de exhibición de Star Trek ha sido un éxito de taquilla en Estados Unidos, mientras que en España ha tenido resultados mucho más discretos. ¿Será que aquí no hay trekkies, como sospecha José Ignacio Wert? No lo sé, yo desde luego no tengo nada de trekkie, pero disfruté mucho de la serie y recuerdo con afecto la tripulación del Enterprise, el teletransporte y todos aquellos romulanos, vulcanianos o bajorianos tan extraños pero tan parecidos a nosotros.

Star Trek XI –la undécima ya- es lo que se ha dado en llamar una precuela, es decir, una película que narra hechos anteriores al inicio de la saga. En este caso, nos encontramos con el capitán James T. Kirk y el señor Spok al comienzo de sus vidas y de sus carreras.

La película no decepciona si lo que esperamos es una entrega más, incluso creo que ha mejorado la calidad sobre las anteriores. Es muy entretenida, mantiene un ritmo creciente y los efectos especiales son espectaculares. Las dos horas de metraje se hacen cortas. Claro que, a una producción de este nivel, todo esto se le supone.

Personalmente, me hubiese quedado más que satisfecha con lo anterior. Sin embargo, Star Trek XI tiene ciertas pretensiones que luego se quedan en nada. Ves naves flotando en el espacio al son de la música y crees que vas a recuperar algo de esa lírica galáctica que Kubrik nos enseñó. Ves viajes en el tiempo y crees que habrá algo de las complejas paradojas que leíamos en Asimov. Y al final, cuando todo eso se resuelve con un par de decepcionantes simplezas, te preguntas por qué se meterán en esos líos sin necesidad.

Todo lo salva Spok. El joven Spok mantiene el carisma y el misterio. El viejo, Leonard Nimoy, el Spok de toda la vida, es para mí lo mejor de la película. Lo peor, el personaje del capitán Kirk, un niñato fatuo y pendenciero que acaba resultando repelente.

Nunca es tarde para enamorarse

2009-05-09T16:39:00.003+02:00

Nunca es tarde para enamorarse, de Joel Hopkins

Nunca es tarde para enamorarse es el título que le han puesto en España a Last Chance Harvey. No me parece una elección afortunada. Primero, porque eliminan el concepto de última oportunidad, de último tren, que es en esencia el asunto de que trata la película. Y segundo, porque si leemos Nunca es tarde para enamorarse y a continuación el calificativo de “comedia romántica”, no tenemos más remedio que pensar lo que hay detrás es un pestiño con miel. Y eso puede que atraiga a algunos espectadores, pero también ahuyenta a muchos más. Me incluyo entre los últimos.

A pesar de ello, he ido a ver Nunca es tarde para enamorarse. Dustin Hoffman y Emma Thompson son motivo suficiente. Además, no había entradas para Star Trek.

Valoro mucho la comedia romántica porque me parece un género muy difícil. Se necesita un guión y una dirección exquisitos para sorprender, divertir, entretener y rozar el empalago sin llegar a caer en él. Por eso, cuando se hace bien, da lugar a grandes películas. Lo demuestran clásicos como Sucedió una noche, Ninotchka, Historias de Filadelfia o Sabrina, pero también, ya en los noventa, las magníficas Cuando Harry encontró a Sally y Cuatro bodas y un funeral, por ejemplo.

Sin embargo, cuando se hace nada más que regular, el resultado puede ser insufrible. Soy capaz de ver un thriller regular, un western regular, una película de época o de ciencia ficción regular. Pero una comedia romántica regular consigue sacarme del cine. Claro que en esto influyen mucho las preferencias personales.

Nunca es tarde para enamorarse es un poco más que regular. Dustin Hoffman está espléndido y Emma Thompson no se queda atrás. En cuanto al argumento, además de muy previsible y plagado de tópicos, tiene pretensiones de aleccionador. En todo caso, entretiene, está bien realizada, tiene buena música y buena fotografía, con unas vistas estupendas de Londres. En fin, que se puede ver y pasar un rato agradable, pero también es verdad que, si se la pierden, pues tampoco pasa nada.

Sicko

2009-05-02T14:10:00.004+02:00

Sicko, de Michael Moore

Con Sicko me ha sucedido lo mismo que con las anteriores películas de Moore: estoy básicamente de acuerdo con lo que defiende, pero no me gusta cómo lo defiende. Creo que un asunto tan serio y complejo como la cobertura sanitaria universal merece tratarse con argumentos, no con trucos de magia y cartas en la manga. Moore se dirige exclusivamente al corazón del espectador y olvida su cabeza, creo que con toda la intención. Y eso no se llama reportaje ni documental, se llama propaganda.

Ahora bien, si aceptamos que estamos viendo propaganda y si conseguimos olvidarnos del cargante protagonismo del director, que no es fácil, hay que reconocer que se trata de un producto muy eficaz. Michael Moore maneja las fibras sensibles y el interés como nadie, hasta el punto de que las dos horas de metraje se hacen cortas, un mérito innegable tratándose de un documental.

Me habría gustado ver Sicko en su momento, en el calor de la polémica que provocó su estreno en Estados Unidos, pero no pudo ser. Ha aparecido en las pantallas españolas con dos años de retraso y uno se queda con la sensación de llegar al debate demasiado tarde, cuando ya está todo dicho. Lamentablemente, las circunstancias que denuncia siguen existiendo, aunque Obama haya prometido invertir 10.000 millones de dólares anuales en el sistema de salud.

Por más que se desarrolle en varios países (Canadá, Francia, Inglaterra o Cuba), Sicko es una película sobre norteamericanos y para norteamericanos. Resulta útil precisamente por eso, porque ayuda a comprender situaciones que por fortuna no se conciben en España. Sin ir más lejos, leía el otro día, a propósito de la gripe porcina, que es difícil valorar el número real de afectados en Estados Unidos, puesto que acudir a un servicio de urgencias supone para muchos un desembolso que no se pueden permitir, así que es probable que decidan tratarse los síntomas en casa. ¿Les parece increíble, como a mí, que suceda esto en un país desarrollado? Vean Sicko.

En fin, que Michael Moore sigue siendo demagógico, exagerado, parcial, mesiánico y lacrimógeno. Y, sin embargo y a pesar de todo ello, sigue teniendo razón.

La sombra del poder

2009-04-25T18:05:00.005+02:00

La sombra del poder, de Kevin Macdonald

No tenía previsto ver La sombra del poder porque no me atrae demasiado ese género cinematográfico –y literario- que se ha dado en llamar thriller y que suele consistir en un enredo confuso y frenético, donde los buenos (periodistas, abogados, detectives, espías o médicos) y los malos (asesinos en serie, políticos corruptos o millonarios poderosos) se dedican a correr de un lado para otro. Ellos no parecen cansarse, pero yo acabo agotada.

Sin embargo, mi amigo Antonio Fernández, que ha visto mucho cine, me la recomendó y se lo agradezco. Me alegro de no habérmela perdido. La sombra del poder es un thriller, sí, pero un thriller muy bien hecho. Sin ser novedosa ni original, mantiene el interés con un suspense medido y un ritmo ágil pero no atropellado. Tiene el mérito de conseguir que el espectador en ningún momento se sienta perdido y eso no es fácil con una trama tan compleja. Quizá le sobren los recovecos finales, pero aun así no resulta larga
.

Rusell Crowe está espléndido en su papel de reportero clásico, de la vieja escuela, con ese punto de romanticismo periodístico fiel a una ética diferente, pero no por ello menos definida. Uno de los aciertos de la película es precisamente el contraste entre McCaffrey y su joven compañera de investigación, la bloguera Della (Rachel McAdams), que representa el nuevo estilo informativo.

Al carisma que derrocha Crowe sólo le da adecuada réplica Helen Mirren. Las escenas entre los dos resultan brillantes. En cambio, Ben Affleck hace una interpretación decepcionante del congresista Collins. Creo que el papel daba para bastante más.

Un detalle: vale la pena quedarse a ver los títulos de crédito. Imágenes de la impresión del periódico, que emocionarán a los que alguna vez hayan olido la tinta en una rotativa, mientras suena Long as I can see the light. Sí, la de Credence.

Déjame entrar

2009-04-18T19:32:00.004+02:00

Déjame entrar, de Thomas Alfredson

Hace unas semanas, hablando de la adaptación al cine de Ensayo sobre la ceguera, explicaba lo difícil que me resulta ver una película sin compararla en todo momento con el libro en que se basa. En este caso, por suerte, no he tenido aún la oportunidad de leer la novela de John Ajvide Lindqvist, así que he entrado en el cine con muy pocos datos sobre el argumento. Y digo por suerte porque si hubiese conocido la historia y el final, me habría perdido el excelente juego de suspense que nos regala Tomas Alfredson.

Si les dijese que Déjame entrar es una película de vampiros no mentiría, pero faltaría a la verdad, porque se trata de una de esas obras que trasciende el cine de género, tanto por su sorprendente calidad como por las variadas lecturas que ofrece.

Hay poco diálogo, sobre todo para una película tan introspectiva, pero es que hablan las imágenes. Hablan los fríos y solitarios suburbios de Estocolmo, la pared que separa a los dos protagonistas, las manos, los objetos, el paisaje. Hablan los sentidos, no sólo la vista y el oído, también el tacto y el olfato. El ambiente escrupulosamente realista y cotidiano hace que las escenas de violencia, dosificadas con cuidado exquisito, destaquen sobre el fondo como la sangre sobre la nieve.

La inocencia de los niños amantes convierte en creíble lo que entre adultos sería poco menos que inverosímil. El propio autor sugiere que estamos ante una historia de amor trágica e inmortal cuando Eli cita a Shakespeare en la nota de despedida que deja a Oskar: “Debo irme y vivir, o quedarme y morir”, las palabras que Romeo dice a Julieta cuando ve que “el alegre día despunta en las cimas brumosas”. Es ese mismo amanecer que obliga a Eli a encerrarse hasta que la noche vuelva.

Los dos actores protagonistas, además de perfectos en cuanto a su aspecto físico para los papeles que representan, están soberbios. Y eso, siendo tan jóvenes, es un mérito que debe atribuirse al director. El ritmo narrativo es pausado, pero no hay una escena que sobre, cada minuto es significativo. Y, por si todo esto fuera poco, un final de antología que no me perdonaría desvelar, pero que es a la vez lírico y terrible, abierto, sutil y hasta un poco socarrón.

No se la pierdan. Bajo ningún concepto.

Un hombre en la oscuridad

2009-04-11T18:40:00.003+02:00

Un hombre en la oscuridad, de Paul Auster

Salió a finales del año pasado, pero no cayó en mis manos hasta hace un par de días. Lo empecé esta mañana y acabo de terminarlo, así que escribo desde la perplejidad. Por supuesto, me lo he bebido. Es lo que tiene Auster, que te hace recuperar esa forma de leer adolescente, ávida, impaciente, que maldice las interrupciones y pospone cualquier tarea que no sea seguir leyendo hasta el final. Pocos autores me conducen ya a ese estado.

Es Auster, el inconfundible Auster. Creo que si fuese la primera novela que leo de él sentiría la euforia del descubrimiento y correría a encargar todo lo que pudiese encontrar de su obra. Pero le he leído lo suficiente para darme cuenta de que, en Un hombre en la oscuridad, nos está dando otra ración de lo de siempre. Aún así, sigue siendo un placer atracarse de vez en cuando.

El comienzo da sensación de artificio, pero el narrador es poderoso. La historia, las historias, absorben enseguida y empiezas a pensar que el argumento da mucho más de sí de lo que parecía. Sin embargo, de repente, el entramado se desarma y esperas en vano que un giro sorprendente vuelva a dar cohesión al conjunto. Llegas al final intentando comprender el porqué de una resolución tan tosca. Si no fuera por su escritura depurada, diría que es la novela de un principiante, uno de esos experimentos en que el autor se dedica a probar distintos recursos narrativos porque todavía no tiene un ritmo ni una voz propios.

Auster no es un principiante, ni mucho menos. Me cuesta creer que ese aparente descuido sea un simple experimento. Tampoco acepto que se haya encasillado y se dedique a vivir del oficio. Sin embargo, no puedo evitar la impresión de que ha escrito sin objetivo ni plan, reuniendo retazos y terminando simplemente porque quería terminar.

Quiero pensar que se trata de un intento de dar un paso más en alguna dirección. Si no es así, seguiré leyéndolo a pesar de todo, pero soy lo bastante mayor para saber que en literatura, como en la vida, lo que no avanza acaba retrocediendo.

Señales del futuro

2009-04-11T12:18:00.001+02:00

Señales del futuro, de Alex Proyas

No encontraba en los estrenos de este viernes nada que me llamase la atención. Pensé incluso en tomarme el fin de semana libre, aprovechando que todo el mundo está de vacaciones. Al final, me decidí por Señales del futuro. Primero, porque era de Alex Proyas, el director de Dark City. Y segundo, porque hacía tiempo que no veía nada de ciencia ficción y es un género que me interesa.

No esperaba semejante sucesión de tópicos. Tampoco el recital de Nicolas Cage alternando cara de compungido con cara de angustiado, según la escena. Sí, esa expresión de pasmo a la que nos tiene acostumbrados últimamente y que acaba con la paciencia de cualquiera. Ha cambiado de peinado, pero no de ojos lacrimosos.

A pesar de Cage, la película comienza con interés y las primeras escenas crean expectación. Vamos aceptando inverosimilitudes una detrás de otra con la esperanza de que al final todo encaje. Sin embargo, a medida que avanza la trama, esa esperanza se pierde por completo. No hay ciencia ficción sencillamente porque no hay ciencia, por muy astrofísico del M.I.T. que sea el protagonista. Todo se resuelve en pseudo-filosofías, numerologías, profecías, trascendencias y seres extraños con comportamientos absurdos que nadie considera necesario explicar. Por supuesto, sería ridículo buscar realismo en una película de ciencia ficción, pero eso no significa que aceptemos la incoherencia. Incluso la más inconcebible de las fantasías debe ser internamente verosímil, debe ir a alguna parte y explicarse a sí misma.

Alex Proyas combina ritmos de thriller con escenas de catástrofes, en un ambiente de misterio sobrenatural bastante forzado. La casa en que viven los protagonistas, por ejemplo, es digna de la madre de Norman Bates. Con todo, Señales del futuro podría salvarse si no fuera por la parte final. Las escenas de los accidentes son espectaculares y el argumento, si somos generosos con las incongruencias, entretiene.

Lo malo es que llegamos al desenlace apocalíptico y se confirma lo que sospechábamos: la película va en serio, tiene mensaje. Y eso ya es demasiado, porque el tal mensaje, además de solemne y pomposo, es decidida y definitivamente tonto.

La duquesa

2009-04-04T13:15:00.005+02:00

La duquesa, de Saul Dibb

Confieso que soy muy aficionada a las películas de época, sobre todo las ambientadas en Inglaterra. Me gusta la belleza de los paisajes solitarios o animados por escenas de caza, el rojo de las casacas sobre el verde de los campos, los palacios de un lujo tan ordenado e impecable como las personas que los habitan. Me interesa esa sociedad absolutamente cerrada y las relaciones y pasiones, siempre contenidas, que genera.

Dicho esto, se comprenderá que esperaba el estreno de La Duquesa como quien espera una ración de su plato favorito. Y es que, además, el personaje de Georgiana Spencer es atractivo y lleno de matices, una de esas mujeres cuya historia es la historia de su época. Reconocida belleza, icono de la moda, retratada por Gainsborough y Reynolds, influyente en la sociedad y comprometida con la política en un momento en que el voto femenino estaba a siglos de ser legal, la vida de la Duquesa de Devonshire contiene materia para varias películas.

En cuanto a los actores, Keira Knighley, además de belleza, tiene el porte y el carisma necesarios, como ha demostrado en Orgullo y Prejuicio y, sobre todo, en Expiación. La acompañan Ralph Fiennes con un trabajo excelente, como casi siempre, y Charlotte Rampling, que aporta empaque y solvencia. El resto del reparto está a la altura.

La producción es suntuosa, la ambientación magnífica y el vestuario ha merecido un Óscar. Y sin embargo, el resultado final es decepcionante. El problema está, creo, en el guión.

De todos los aspectos de la vida de la Duquesa de Devonshire, el argumento se centra casi exclusivamente en su tragedia privada. De esta forma, donde podría haber un panorama de la sociedad de la época, de sus valores, del interesante momento político y cultural, del papel de la mujer en todo ello, nos encontramos con la trillada historia de una pobre niña rica a la que casan con un hombre mayor y dominante. Aun así, tal historia podría tener cierto interés si estuviese bien contada, pero tampoco. Los diálogos son desafortunados y artificiales, el ritmo irregular, la profundidad psicológica no existe.

Queda pues el innegable espectáculo visual y el dudoso morbo de comprobar las similitudes entre la vida de Georgiana Spencer y la de su pariente Diana Spencer, Princesa de Gales, similitudes que se han exagerado en la publicidad de la película. En definitiva, poco contenido para tanto envoltorio.

No puedo evitar pensar en directores como Stephen Frears, James Ivory o incluso Martin Scorsese. ¡Qué cesto habrían hecho con estos mimbres!

Los abrazos rotos

2009-03-28T12:06:00.000+01:00

Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar

En uno de sus momentos de lucidez aplastante, a Vujadin Boskov se le ocurrió decir aquello de fútbol es fútbol. Su frase triunfó porque, como todas las frases lapidarias, contiene una obviedad con ínfulas de universal. En el mismo tono, con la misma rotundidad, me permito afirmar otra evidencia del mismo estilo: Almodóvar es Almodóvar. Los autores muy personales tienen eso, que te gustan o te disgustan, que los adoras o los odias, pero no te defraudan, siempre son ellos mismos.

Así que adelanto mi recomendación, que debería ser la conclusión de este comentario: si usted adora el cine de Almodóvar, no se pierda Los abrazos rotos; si no soporta el cine de Almodóvar, ni se le ocurra ir a verla.

En cuanto a la película en sí, en mi opinión no es de lo mejor de su filmografía. A riesgo de equivocarme y de que el tiempo me quite la razón, creo que se quedará en una cinta menor, una curiosidad en la que el director se hace un homenaje a sí mismo, a sus actores favoritos y al cine tal como él lo entiende, es decir, a su cine.

Dice Carlos Boyero en El País que le ha producido tedio. Yo no llegaría a tanto. Estoy de acuerdo en que el argumento es cansino y en que el espectador nunca llega a conectar con los acontecimientos, a excepción de las breves escenas en las que aparece Ángela Molina, las únicas que llegan a emocionar. Coincido también en que el ritmo es irregular y la película se hace innecesariamente larga. Pero lo que tiene Almodóvar es que mantiene la atención a base de cambios de registro constantes y de momentos verdaderamente brillantes, que los hay.

Creo que Los abrazos rotos fracasa a la hora de conmover porque le pierde su propio esteticismo. La historia lo tiene todo para interesar: amor, pasión fatal, celos, remordimiento, poder, rencor, intriga y cine dentro del cine. El problema es que el esfuerzo por producir impacto formal se nota demasiado y produce un distanciamiento tal que impide conectar con el sentir de los personajes. Se ve más el “cómo” que el “qué”. Ese tipo de desapego le va bien a la comedia, pero sin duda mata el drama.

Por lo demás, vale la pena ver a Penélope Cruz, que no ofrece su mejor trabajo interpretativo, pero está bella, radiante, estrella de cine en el sentido más clásico. Recomiendo también los últimos minutos de Carmen Machi, un recuerdo del humor personalísimo del mejor Almodóvar.

Permítanme terminar con otro pensamiento del perspicaz entrenador serbio: el fútbol es imprevisible porque todos partidos empiezan cero a cero. Lo que le ocurre a Almodóvar es que a estas alturas ha dejado de ser imprevisible, precisamente porque no parte de cero, parte de un universo particular que ha ido construyendo y amueblando a lo largo de los años. El joven provocador lleno de ideas nuevas, de desfachatez y de frescura es ya un señor cincuentón, capaz de firmar una película madura como Volver, pero con muchas dificultades para epatar al burgués. Además, el burgués de ahora está ya curado de espanto.

The visitor

2009-03-21T11:40:00.007+01:00

The visitor, de Thomas McCarthy

A pesar de Richard Jenkins estuvo nominado al Óscar al mejor actor protagonista, lo más probable es que The Visitor pase discretamente por las carteleras. Y no sólo porque hay estrenos mucho más llamativos en este mes de marzo, sino sobre todo porque se trata precisamente de una película discreta, en el mejor sentido de la palabra.

No es una cinta para quien busque espectáculo, acción, superproducciones, efectos especiales y repartos de lujo. Tampoco para quien necesite moralejas y personajes arquetípicos que sirvan de ejemplo o de enseñanza. Pero si a usted, como a mí, le gusta ver de vez en cuando una película bien narrada y bien interpretada, sin trampas ni esteticismos, con interés y emoción, no se pierda The Visitor.

La primera razón para verla es Richard Jenkins. Hacía tiempo que no tenía el placer de disfrutar una actuación tan verosímil. Parece que no interpreta, que McCarthy ha puesto ante la cámara un ser humano y no un personaje. Olvidamos que se trata de una ficción y nos parece estar contemplando una vida. Y esa vida llena la pantalla hasta tal punto que resta importancia a la temática social de la película. Es verdad que trata de la inmigración y la convivencia, pero es ante todo una historia sobre personas. Que sean ciudadanos o inmigrantes, ilegales o documentados, es lo de menos.

Y así, desde este punto de vista, se explica el desarrollo del argumento. El Profesor Vale, que vivía perdido en una existencia sin metas, que intentaba aferrarse a lo poco que le quedaba de sus días felices, encuentra por fin sentido donde menos lo esperaba, como un regalo que el azar le ofrece y que él tiene la valentía de aceptar.

La segunda razón es Hiam Abbass, espléndida actriz que no se limita a dar la réplica a Jenkins, que ya tendría mérito, sino que aporta además la cantidad exacta de carisma y de madurez para destacar por sí misma sin ensombrecer al protagonista. La armonía interpretativa que consiguen entre los dos es casi música.

La tercera razón es que The Visitor es una de esas historias que invitan a amar la vida sin disfrazarla, que no intentan engañarnos contándonos finales felices donde vencen la bondad y los ideales. La vida es injusta e ingrata, sí, pero aún así es hermosa y merece la pena luchar por ella. Aunque no lleguemos a la meta, aunque no haya recompensa al final del camino. Ese es el mensaje.

Y por si todo esto fuera poco, la película es una lección de utilización de la música como apoyo del argumento. La acción se estanca con el sonido del piano y se acelera al ritmo de los tambores, que transforman situaciones tópicas en escenas de enorme fuerza expresiva. La sencilla cadencia de la percusión se convierte en idioma común que trae consigo compañía, calor y amistad. Los instrumentos encandilan a la vez al Profesor Vale y al espectador, en un crescendo verdaderamente brillante.

Si el estreno de la última de Almodóvar les deja un hueco, consideren la posibilidad de ver The Visitor. No se arrepentirán.

A ciegas

2009-03-14T11:29:00.000+01:00

A ciegas, de Fernando Meirelles

Cualquiera que haya leído Ensayo sobre la ceguera tendrá cierta curiosidad por comprobar cómo resulta su adaptación al cine. Claro que, bien mirado, cualquiera que haya leído Ensayo sobre la ceguera tiene que ser forzosamente muy aficionado a leer, puesto que se trata de una novela difícil, uno de esos libros que requieren esfuerzo, aunque lo compensen con creces. Y si uno es muy aficionado a leer y ha disfrutado con Ensayo sobre la ceguera, es de esperar que su adaptación al cine le parezca decepcionante. Ese es mi caso.

No es que no existan buenas adaptaciones, como se complacen en proclamar algunos bibliófilos de salón. Para desmentirlos, ahí están, por ejemplo, El doctor Zhivago, El gatopardo, Blade Runner o El nombre de la rosa. Lo que hay que tener en cuenta es que se trata de lenguajes distintos, de productos distintos, que deben ser valorados por sí mismos y no por su fidelidad al original. En palabras del propio Saramago:

Las adaptaciones son otro lenguaje y la prudencia manda que no se entre nunca en el debate de si la película es mejor que el libro o al revés. Hay que comparar al libro con otro libro bueno y a la película con otra película buena. Así se sabe si hay calidad.

Ante la recomendación del maestro, me sentí casi obligada a hacer un serio intento de olvidar la novela y hablarles de la película como si fuese un original, pero la verdad es que me veo incapaz. Lo leído, aunque no se recuerde en detalle, deja huella.

Ambas, novela y película, a través del recurso argumental de la ceguera colectiva, reflexionan sobre la civilización y el poder, sobre lo que nos hace humanos. La situación límite a la que se ven condenados los personajes pone en evidencia la fragilidad de los valores, tanto los individuales como los propios de la sociedad.

La película es, en mi opinión, muy irregular. El comienzo consigue inquietarnos pero no implicarnos. La parte central, la que relata el encierro de los afectados, resulta larga y redundante, aunque hacia el final se hace algo más intensa y recupera el interés. Lo mejor, creo, es la última media hora, donde se nos muestra el estado en que ha quedado el mundo exterior.

Considero un acierto la puesta en escena y, sobre todo, aunque parezca una paradoja, la expresión visual de la ceguera, que Meirelles resuelve inundando la pantalla de luz blanca y de imágenes desenfocadas. Me gusta menos el tratamiento de los personajes, quizá porque ahí ha sido demasiado fiel a la novela. Por ejemplo, en la narración es casi imprescindible que quede alguien que conserve la vista, que sea testigo de lo que sucede. Pero en cine no veo la necesidad, para eso está la cámara. Es una cuestión, volviendo a Saramago, de lenguajes.

Me ha parecido, en fin, una película que merece la pena ver, con detalles formales realmente interesantes. Sin embargo, aunque llegue al intelecto, aunque en algún momento me haya tocado el corazón, no ha conseguido traspasar la superficie, ni mucho menos dejar huella. La de la novela, en cambio, permanece después de trece años. Por algo será.

Gran Torino

2009-03-02T22:40:00.001+01:00

Gran Torino, de Clint Eastwood

Lo último de Eastwood puede considerarse una película menor, si la comparamos con la muy reciente El Intercambio, producción esta última más ambiciosa, más arropada por las promociones y, en mi opinión, injustamente olvidada en los Óscar de este año. Sin embargo, Gran Torino tiene todos los ingredientes que hacen de Eastwood el magnífico director que hasta los más reticentes han tenido que reconocer. Nunca ha firmado un producto mediocre.

Simpatizamos con Walt Kowalski desde el principio. Es ese tipo de personaje cascarrabias, amargado e intransigente con el que no estamos de acuerdo en nada, pero a quien entendemos muy bien. Su falta absoluta de tacto y su desprecio por las convenciones y las ideas modernas divierte y conmueve. También a nosotros, los espectadores, nos parecen superficiales sus hijos y sus nietos, nos resulta falto de experiencia el sacerdote y nos extrañan las maneras de los vecinos orientales. Eastwood nos hace cómplices de Kowalski a base de golpes de humor, para luego introducirnos en las capas más profundas de su personalidad y mostrarnos sus miedos, sus fantasmas y sus afectos. Poco a poco, escena a escena, va difuminándose la caricatura y apareciendo la persona. Esa evolución en el tono, sin saltos ni estridencias, es a mi juicio el mayor acierto de la película.

Gran Torino plantea tres grandes cuestiones: el choque entre gentes procedentes de distintas culturas, la soledad de quien ha visto cambiar el mundo que conocía sin haber aprendido a vivir en el nuevo y, por último, la violencia como círculo vicioso casi imposible de romper, que roba la paz a los viejos y el futuro a los jóvenes. Para las dos primeras, la solución que nos ofrece es la convivencia, el conocimiento de los extraños para llegar a entenderlos. Para la tercera, la visión es mucho más pesimista.

Kowalski actúa como lo que es: un soldado. Cuando comprueba que ganar batallas con los medios de que dispone no es suficiente, se convierte en estratega y planea con cuidado el golpe final, que sirve a la vez para la expiación y la victoria. Un desenlace contundente y redondo en todos los sentidos, pero que deja un regusto amargo. Es un precio muy alto para un éxito probablemente efímero y, en todo caso, parcial.

Quizá la única falta que se le puede poner a Gran Torino es que los demás actores no están a la altura de Eastwood, salvo tal vez Ahne Her, pero tengo dudas sobre si atribuirle el mérito a ella o al guionista. Sue es su primer papel en el cine, así que seguramente tendremos ocasión de valorar su trabajo como actriz en el futuro.

El luchador

2009-02-25T22:25:00.001+01:00

El luchador, de Darren Aronofsky

Sería casi una obviedad decir que la decadencia del boxeador es un tema recurrente en la historia del cine. Cómo olvidar a Bogart en Más dura será la caída (Mark Robson, 1956) o a Paul Newman en Marcado por el odio (Robert Wise, también 1956). La más reciente que recuerdo es la fantástica Million Dolar Baby, con la que Clint Eastwood nos ofreció en 2004 una visión original y perturbadora. Aunque El luchador no trate de boxeo sino de lucha libre, los planteamientos clásicos son prácticamente los mismos.

La película es previsible. Y esa previsibilidad, que en general se suele interpretar como un defecto, me parece en este caso un recurso utilizado con acierto. Me explico: ante un argumento sin sorpresas, que discurre implacable hacia un final esperado, la atención del espectador se libera de cualquier ilusión de suspense y se concentra en los sucesos, en los cambios de actitud de los protagonistas frente a lo inevitable. Así compartimos con ellos los momentos de rebeldía y de resignación, los intentos desesperados de cambiar el destino, las rendiciones cotidianas.

La narración es rotunda y a la vez delicada, despiadada pero respetuosa, de una eficacia difícil de conseguir sin caer en la tentación de trucos argumentales o golpes de efecto. Las emociones son tan reales que resultan conmovedoras por cercanas, que no por fáciles.

Randy "The Ram" Robinson es Mickey Rourke. Nadie más podría haber sacado tantos matices al personaje. Rourke se interpreta a sí mismo: un cincuentón que a duras penas consigue mantener el tipo, un rostro marcado por los estragos del tiempo, los excesos y la cirugía. Randy se tiñe las canas de rubio platino, se broncea con rayos UVA, se harta de anabolizantes, se pone las gafas para leer y se quita por las noches el sonotone antes de apagar la luz de la caravana donde duerme. Y Rourke consigue que cada uno de esos gestos, en lugar de transmitir humillación o miseria, nos parezcan heroicos. Hay momentos en los que creemos estar contemplando una pasión, un nuevo crucificado, sangrante y coronado de espinas, pero incapaz de redimir a nadie, ni siquiera a sí mismo.

¿Por qué no le han dado el Óscar? Supongo que porque se valora poco una interpretación en la que el actor hace de sí mismo. Es uno de los grandes debates que se plantean cuando se trata del trabajo de actuar. Hay quien defiende que un actor debe ser versátil, rico en registros, capaz de cualquier papel. Y hay quien aprecia al actor especialista, que sólo es apropiado para cierto tipo de personajes y que, en lugar de adaptarse a ellos, los absorbe y los enriquece. De Niro versus Nicholson.

De lo que no tengo ninguna duda es de que Randy "The Ram" Robinson es el mejor papel que ha hecho Mickey Rourke en toda su carrera. Claro que tampoco es que tuviese el listón muy alto.

Un consejo: no se pierdan la canción “The Wrestler”, escrita e interpretada por Bruce Springsteen especialmente para la película. Es un verdadero regalo escucharla.

Desayuno con Óscar

2009-02-23T10:04:00.000+01:00

Nunca me quedo a ver la ceremonia de los Óscar, no porque empiece a unas horas inhumanas, que también, sino sobre todo porque se me hace eterna y me parece mucho mejor ver uno de esos amplios resúmenes que hoy lunes llenarán la programación televisiva. Sin embargo, reconozco que esta mañana, nada más levantarme de la cama, me he sentado al ordenador con la primera taza de café para conocer los resultados.

Quienes me leen –gracias– sabrán ya que Slumdog Millionaire era mi favorita y que El curioso caso de Benjamin Button me gustaba bastante poco, así que es una pena no haber participado en ninguna porra. De todas maneras, lo que tienen las quinielas de los Óscar es que son como las elecciones, todo el mundo gana. Los que aciertan, porque han acertado; los que se equivocan, porque así pueden adoptar un aire independiente y progre, diciendo con displicencia que todo eso es un manejo comercial de la industria imperialista y que las películas buenas de verdad son las que sólo conocen cuatro iniciados, sobre todo las checoslovacas en versión original subtitulada. Y puede que lleven algo de razón.

Pero como yo no soy lo bastante intelectual para hacer de crítico y me quedo en comentarista semanal sin pretensiones, puedo confesar que me encanta el cine norteamericano. Digo esto sin ninguna intención excluyente. De hecho, una de las películas que más me ha impresionado en los últimos años es la alemana La vida de los otros, que por cierto consiguió el Óscar a la mejor película extranjera en 2006. También tengo muchas cosas buenas que decir de las recientes españolas Camino y Los girasoles ciegos. No obstante, la verdad es que, en general, de cada diez películas que me gustan, nueve vienen de los Estados Unidos. ¿Qué le vamos a hacer?

Me alegro del triunfo de Kate Winslet, está espléndida en El lector. Me alegro también por Penélope Cruz, aunque “Vicky Cristina Barcelona” no me ha interesado lo más mínimo. Lamento, en cambio, que Sean Penn se haya llevado el Óscar al mejor actor. Su Harvey Milk es relamido y sobreactuado, sin comparación con el Randy Robinson de Mickey Rourke. Echo de menos también a Philip Seymour Hoffman como mejor actor secundario, por ese sacerdote presuntamente pederasta de La duda.

Y ahora, con el permiso de ustedes y una segunda taza de café, voy a ver las fotos de los modelos que han lucido las estrellas sobre la alfombra roja. Es, sin duda, lo más interesante de la ceremonia.

El lector

2009-02-15T20:24:00.000+01:00

El lector, de Stephen Daldry

¿Otra película sobre el holocausto? ¿Realmente quedan cosas que decir? Eso me preguntaba en el momento de decidir lo que iría a ver esta semana. El holocausto es uno de esos temas que la literatura y el cine han tratado tantas veces y de tantas maneras que resulta casi ingenuo esperar algún enfoque nuevo o alguna perspectiva original.

Sin embargo, la cinta de Daldry sí aporta una visión diferente, al menos para mí. Naturalmente, yo ni lo le leído todo ni lo he visto todo, pero una persona muy informada sobre este tema me apuntaba las tesis de Theodor W. Adorno como fuente para el enfoque ideológico de El lector. Me he puesto a buscar en ese inmenso centro de documentación que es Internet y he encontrado este fragmento de una carta que Adorno le escribía a Thomas Mann en 1949:

… Con excepción de un par de canallas, penosos títeres de antigua cepa, no he visto todavía ningún nazi, y esto de ninguna manera sólo en el sentido irónico de que nadie admite haberlo sido, sino en el sentido… de que ellos creen que no lo han sido; que lo reprimen por completo; que, incluso, uno podría especular que ellos en realidad hasta cierto punto no lo fueron… Si debo ser sincero, diré que siempre necesito de la reflexión para recordar que el hombre junto a mí en el tranvía puede haber sido un verdugo.

El personaje de Hanna, interpretado con solvencia y elegancia por Kate Winslet, encaja perfectamente en esta descripción de Adorno. Ella no se avergüenza de los hechos por los que es condenada, ella no era nazi, solamente cumplía con su trabajo. “¿Qué habría hecho usted?”, le dice al fiscal. De lo que sí se avergüenza es de otra sorprendente circunstancia que no puedo desvelar sin contar el argumento.

El lector podría subtitularse perfectamente Tragedia en tres actos. Asistimos, en efecto, a tres momentos clave en la historia de los protagonistas, tres momentos también de la historia de Alemania, como si las propias vidas de los personajes fuesen una metáfora de las etapas por las que ha pasado el pueblo alemán. Y sin embargo, si exceptuamos las escenas del juicio y de la facultad de derecho, el enfoque es eminentemente personal: un hombre y una mujer atormentados, que siempre se encuentran a destiempo y que están profundamente marcados por los acontecimientos que viven. Hanna es la culpa y la expiación, Michael la incapacidad emocional.

Me ha gustado mucho el planteamiento, lleno de preguntas, pero sin respuestas. El espectador sufre la misma perplejidad que los protagonistas y se ve obligado a sacar, como ellos, sus propias conclusiones.

Memorable para mí es la escena de las cintas de cassette, inesperada, intensa y casi mágica. También destacaría, además de la gran interpretación del joven David Kross, el breve personaje de la mujer judía que ha decidido no perdonar y que lleva esa decisión a sus últimas consecuencias, aún en contra de sus propios sentimientos. Ella tampoco encuentra la paz. Nadie la encuentra.

Slumdog Millionaire

2009-02-09T20:58:00.000+01:00

Slumdog Millionaire, de Danny Boyle

Me ha encantado Slumdog millionaire. Es de esas películas que dan ganas de ver varias veces, porque las emociones son muchas y las lecturas más. Hay drama, hay comedia, hay música, hay aventuras, hay crítica social, hay reflexión, hay ternura, hay belleza… Hace reír, llorar y pensar.

Estoy segura de que los expertos han hecho análisis técnicos sobre la modernidad estética, la impactante fotografía, la magnífica banda sonora o la originalidad del montaje. A ellos me remito. Yo sólo sé decir que todos esos elementos sólo cobran sentido cuando están ahí para enriquecer un buen guión y para arropar un buen trabajo de dirección y de actores. Como en este caso.

Boyle nos introduce en una India real, un país donde lo normal es la miseria, la tortura, la muerte, el hambre y el subempleo; una sociedad donde la única esperanza es hacerse rico ganando un concurso de televisión. También se nos muestra una India de desaprensivos, desde los que explotan a niños mendigos hasta el presentador del concurso, el Carlos Sobera oriental, que no repara en medios para defender su inversión. Qué lejos estamos de esa Shangri-La, de ese paraíso perdido que algunos pseudointelectuales hippies -que todavía quedan- se atreven a vender como ideal de vida, confundiendo el fatalismo con la paz espiritual.

Todo esto podría parecer propio de un reportaje de denuncia social. Nada más lejos del espíritu de la película, que respira optimismo y, sobre todo, ternura. Resulta emocionante la odisea del protagonista, movido por un amor tan puro e inamovible que parece irreal, pero aún más conmovedor para mí es el personaje del hermano, que a pesar de haber cometido toda clase de bajezas y llegar a ser verdaderamente abyecto, en los momentos clave es capaz de poner el afecto por encima de todo, hasta el punto de jugarse la vida. Y es que, en un mundo como el de Mumbay, el amor no tiene más remedio que ser heroico.

Es curioso que, con tantas escenas fuertes, se me haya quedado grabada una que no lo es tanto. Se trata de la parte en que los dos muchachos se buscan la vida haciendo de guías clandestinos en el Taj Mahal. Es deliciosa la historia que Jamal va improvisando sobre la marcha para contársela a los turistas incautos. Uno no puede evitar recordar a Sherezade imaginando cuentos cada noche para conservar la vida un día más.

Estas son sólo pinceladas que he entresacado de la riqueza del cuadro. Para apreciarlo por completo, hay que ver la película. Es verdad que decae hacia el final, quizá porque baja un poco el dinamismo que nos tiene en vilo durante la primera hora, quizá porque la inverosimilitud que aceptamos desde el comienzo –como una fábula oriental– se va haciendo difícil de sobrellevar a medida que avanza la trama. O tal vez porque la historia de amor imposible, tan hermosa, pierde fuerza y se vuelve casi dulzona la última media hora. Pero esos son defectos menores comparados con los ciento veinte minutos de auténtico placer cinematográfico que nos ofrecen Boyle y su equipo.

Y no se vayan del cine demasiado rápido, se perderían el cierre de comedia musical al más puro estilo de Bollywood.

Ojalá se haga con muchos Óscar. Sería lo justo, en mi opinión.

El curioso caso de Benjamin Button

2009-02-01T20:09:00.001+01:00

El curioso caso de Benjamin Button, de David Fincher

El curioso caso de Benjamin Button es una de las favoritas para el Óscar a la mejor película, con un presupuesto de 150 millones de dólares y una taquilla en consonancia. El reparto es de lujo y cuenta una historia, cuando menos, curiosa. He oído a varias personas decir que se trata de la mejor película que han visto en muchos años. Tiene unos efectos especiales deslumbrantes. La ambientación y el maquillaje son perfectos. Los primeros diez minutos, magníficos.

Entonces… ¿Por qué no me ha gustado El curioso caso de Benjamin Button? Pues probablemente porque los árboles no dejan ver el bosque. Me explico: es tal el despliegue de medios, la belleza de la puesta en escena, la calidad de todos los aspectos de la realización, que la historia queda completamente descuidada. No puedo evitar pensar que se ha desperdiciado lo que podría haber sido un buen argumento: la vida vista al revés.

La idea del reloj que marcha hacia atrás, por ejemplo. Lo veo al principio y promete. Pienso que va a funcionar como leit-motiv, pero no es así. Pronto se diluye, se olvida y no reaparece hasta las últimas escenas, perdiendo toda la fuerza que debería tener en una película que va, precisamente, del tiempo.

Quizá lo más decepcionante para mí sea el propio protagonista. Uno espera que una vida tan inusual tenga experiencias, matices y emociones también inusuales, que hagan reflexionar y aporten ideas originales. No es así. Toda el esfuerzo se pone en reflejar con precisión la evolución (o involución) física del personaje. Sin embargo, la personalidad de Benjamin Button es completamente monótona, desde el principio hasta el final. Button no vive, simplemente pasa por la vida, sin que ésta le afecte apenas.

La historia de amor, que tenía todos los ingredientes para ser memorable, se queda en insípida y en algunos momentos resulta artificiosa. El desenlace se ve venir. Los personajes secundarios tampoco aportan gran cosa, parecen formar parte del mosaico de fondo. El metraje es, en mi opinión, demasiado largo. Al final, lo único que hace que el espectador no acabe aburriéndose es el innegable interés de averiguar qué aspecto tendrá Brad Pitt en la escena siguiente.

Así pues, si deciden ir al cine a ver esta película, prepárense a disfrutar de un gran espectáculo visual, a moverse a lo largo del siglo XX con mucho más que realismo, a valorar lo difícil que resulta llevar a la pantalla una historia tan enrevesada. Todo eso también es cine, claro que sí. Además, seguro que se lleva varios Óscar.

Ahora bien, no se extrañen si al salir se sienten extrañamente insatisfechos y se preguntan, como yo me he preguntado: “bueno, ¿y qué?”.

La duda

2009-01-31T18:43:00.000+01:00

La duda, de John Patrick Shanley

Cuando elijo una película, no suelo fiarme del título. Demasiadas veces prometen y no cumplen. O son directamente engañosos o dan una idea equívoca de lo que se supone que uno va a ver. El título de La duda, en cambio, resume con toda precisión el sentido del argumento.

Leyendo la sinopsis, podría pensarse que trata de la pederastia de algunos clérigos, incluso de la permisividad y el silencio de las autoridades eclesiásticas. También podría parecer una reflexión sobre la calumnia o sobre el excesivo conservadurismo. Algo de todo ello hay en la historia que nos cuenta Shanley, pero el asunto de fondo es el que se anuncia desde el principio: la duda y lo que la duda puede hacer a las personas.

Dudamos durante toda la película, no hay tregua. Todos los personajes son ambiguos. El padre Flynn (Philp Seymour Hoffman), sacerdote tolerante, humano y querido, nos resulta simpático porque tiene que hacer frente a la hermana Beauvier (Meryl Streep), que representa la obstinación y la rigidez más rancia. Pero… ¿Y si el padre Flynn es un hipócrita o un hombre desorientado que no tiene criterio moral? ¿Y si la actitud de la hermana Beauvier no es intransigencia sino afán de justicia? ¿Y si ella tiene razón y es la única que se atreve a atacar el problema?

También dudamos de la hermana James, cuya inocencia a veces parece bondad y a veces ingenuidad excesiva; de Donald, el muchacho que es objeto del supuesto abuso; de la madre del chico, curioso personaje que tiene un papel muy breve pero que impresiona por sus motivos y su actitud tan incorrecta pero tan creíble; del resto de los alumnos, en fin, que no sabemos si menosprecian a Donald por ser negro o por ser “especial” en algún otro aspecto.

Esa tensión se mantiene hasta el final, sostenida por diálogos y escenas de gran dramatismo y por un ritmo medido meticulosamente, de forma que la acción es todo lo pausada que requiere la trama, sin llegar nunca a resultar lenta. Se nota que el guión está basado en una obra de teatro, pero se nota lo justo.

No me parece que La duda llegue a la categoría de obra maestra, ni siquiera a esa categoría de andar por casa que llamamos “peliculón”. Pero vale la pena verla por el magnífico trabajo de actores y por la expresiva puesta en escena. Hay momentos en que el lenguaje visual cobra pleno significado, momentos en los que Shanley nos dice con las imágenes mucho más que con los diálogos. Creo que esta suele ser una de las señales en las que reconocer el buen cine.